Obiekt pochodzi z Meksyku. Drugi wariant pudełka rozwija tę samą zasadę vesica piscis, zachowując geometryczny rygor i kontrolę proporcji. Różnica ujawnia się w sposobie napięcia powierzchni oraz w układzie punktów akcentujących bryłę, które zmieniają odbiór obiektu przy zachowaniu jego strukturalnej spójności.
Bryła pozostaje zamknięta i skoncentrowana wokół osi, a jej forma wynika z relacji między objętością a punktowymi deformacjami powierzchni. Te interwencje nie są przypadkowe, lecz wynikają z konsekwentnego przekształcania układu geometrycznego. Dzięki temu obiekt zachowuje jednocześnie stabilność i dynamikę wizualną.
Materiał i technika pozostają identyczne: brąz odlewany metodą traconego wosku, wykończony poprzez polerowanie. Powierzchnia ujawnia mikrostrukturę odlewu, co wzmacnia fizyczność obiektu i jego związek z procesem powstawania.
Pudełko funkcjonuje jako zamknięta forma użytkowa, której charakter wykracza poza czysto funkcjonalne zastosowanie, kierując się w stronę obiektu kolekcjonerskiego.
Obiekt należy do ściśle limitowanej serii KABIKI, w której każdy egzemplarz powstaje w ograniczonej liczbie. Seria obejmuje cztery odrębne obiekty dostępne w osobnych ofertach, połączone wspólną geometrią vesica piscis oraz jednolitą logiką formalną.
Cena zawiera podatek VAT oraz koszty odprawy celnej. Wysyłka odbywa się bezpośrednio z Meksyku.
Zapewniamy ubezpieczoną wysyłkę międzynarodową. W przypadku niestandardowych destynacji prosimy o kontakt na hello@maybel.pl – przygotujemy indywidualną wycenę i zajmiemy się organizacją transportu.
O ARTYŚCIE
Daniel Couttolenc wyrasta z tradycji projektowania, w której forma musi mieć uzasadnienie. Nie jest efektem gestu ani stylu, wynika z proporcji, konstrukcji i świadomej decyzji materiałowej. Jego droga prowadzi przez klasyczne przygotowanie w obszarze designu przemysłowego, które z czasem rozszerza o projektowanie wnętrz, fotografię oraz praktykę collectible design.
Urodzony w Puebla w 1981 roku, kształcony w Universidad Iberoamericana w Mexico City, a następnie w College for Creative Studies w Detroit, gdzie zajmował się projektowaniem transportowym, buduje swoją praktykę na solidnym, technicznym fundamencie. Ten etap pozostaje widoczny w jego sposobie myślenia o formie. Obiekt nie jest dla niego kompozycją wizualną, lecz strukturą, która musi pozostać logiczna, wyważona i konstrukcyjnie spójna.
Równolegle rozwija się drugi, bardziej osobisty wątek. W jego pracy obecne jest napięcie między fascynacją zmysłową stroną designu a potrzebą odnalezienia wewnętrznego porządku. Zamiast odrzucać projektowanie, Couttolenc próbuje je przedefiniować. Szuka języka formy, w którym przedmiot przestaje być dekoracją i zaczyna porządkować relację użytkownika z przestrzenią.
W efekcie jego praktyka lokuje się dziś na styku rzemiosła i designu kolekcjonerskiego. Nie buduje klasycznych kolekcji meblowych. Tworzy spójny system form rozwijany jako konsekwentny alfabet, w którym każda decyzja projektowa wynika z wcześniejszej i pozostaje częścią większej całości. Obiekty zachowują funkcję użytkową, lecz operują językiem bliskim rzeźbie i architekturze.
Momentem rzeczywistego przeformułowania jego praktyki było zetknięcie z geometrią sakralną, którą traktuje jako pierwotny porządek wpisany w naturę. To doświadczenie pozwoliło mu związać rygor projektowy z potrzebą głębszego, niemal kontemplacyjnego namysłu nad formą. Proporcja przestaje tu pełnić funkcję estetycznego wyboru. Staje się narzędziem organizującym relację między człowiekiem a przedmiotem, wyznaczając rytm odbioru i sposób, w jaki obiekt istnieje w przestrzeni.
Obiekty Couttolenca powstają w oparciu o archetypiczne układy i proporcje obecne w naturze. Złoty podział, symetria, powtarzalność form czy napięcia pomiędzy elementami są tutaj punktem wyjścia całego procesu projektowego. Projektant traktuje geometrię jako system generatywny, który nadaje formie wewnętrzną spójność i równowagę. Jego prace oddziałują zarówno wizualnie, jak również na poziomie intuicyjnym, wywołując poczucie harmonii, które trudno jednoznacznie nazwać, ale łatwo odczuć.
Istotnym aspektem jego twórczości jest sposób rozumienia przedmiotu. Dla Couttolenca obiekt nie kończy się na funkcji użytkowej. Każdy element wyposażenia przestrzeni wpływa na nastrój, koncentrację, sposób odczuwania miejsca. W jego myśleniu design staje się narzędziem kształtowania doświadczenia, nie jest wyłącznie odpowiedzią na potrzebę praktyczną. Przedmioty są traktowane jako cisi towarzysze codzienności, obecni w rytuałach życia, w kontakcie z ciałem i percepcją.
Proces pracy Couttolenca jest zdyscyplinowany, ale nie pozbawiony intuicji. Każda forma wynika z analizy proporcji, napięć i relacji pomiędzy elementami, lecz ostateczny efekt zawsze pozostaje otwarty na doświadczenie użytkownika. Projektant nie narzuca interpretacji. Tworzy struktury, które mają być odczuwane, nie tylko rozumiane.
W warstwie materialnej jego prace operują drewnem jako podstawowym medium, często w zestawieniu z wyraźnie określoną geometrią i masą. Materiał nie jest maskowany ani neutralizowany. Zachowuje swoją fizyczność, ciężar i strukturę, stając się nośnikiem formy i proporcji. To podejście wpisuje jego twórczość w szerszy kontekst współczesnego wzornictwa, w którym przedmiot funkcjonuje równocześnie jako obiekt użytkowy i autonomiczna forma przestrzenna.
Twórczość Daniela Couttolenca można czytać jako próbę przywrócenia designowi jego pierwotnej roli. Nie jako dekoracji ani demonstracji stylu, lecz jako narzędzia budowania harmonii pomiędzy człowiekiem, przestrzenią i materią. Jego obiekty nie dominują wnętrza. Wprowadzają do niego porządek, który działa w tle, a z czasem staje się odczuwalny jako coś naturalnego i koniecznego.
Prace Couttolenca prezentowane były w ramach INÉDITO podczas Design Week Mexico, a także w projektach takich jak Design House Mexico oraz Casa Besign. Szczególnym punktem odniesienia pozostaje jego udział w „Hecho Forma. Salón de diseño mexicano” w Museo Amparo, kuratorowanym przeglądzie współczesnego designu meksykańskiego, który lokuje obiekty pomiędzy funkcją a doświadczeniem i sytuuję je w dialogu z rzemiosłem, przemysłem oraz aktualnymi poszukiwaniami estetycznymi. Obecność w tym kontekście potwierdza jego pozycję jako twórcy działającego poza logiką produkcji masowej, w obszarze prac powstających w ograniczonych nakładach i funkcjonujących w obiegu galerii oraz instytucji zajmujących się współczesnym designem kolekcjonerskim.
C31
